英国人菲利普·多德在《创意经济引领未来中国》一文中说：“忘掉在胸罩与纺织品上的争吵吧，中国与欧洲的下一场贸易争端很可能发生在文化创意产品上。”也就是说，创意经济将成为未来经济竞争的主战场。 

　　在创意经济伴随着经济全球化席卷世界的今天，其之于产业的发展规模和程度，已经成为行业综合竞争力高低的重要标志。在国际化进程日益加快的今天，不少企业的思维已经显得滞后于时代的需求节奏。纺织服装行业如何打破传统粗放式、同质化的发展模式，实现消费效用增长、边际成本缩减，寻找并掌握“文化创意实现价值再造”这一关键因素，即成为行业实施品牌战略、提高科技贡献率的重要一环。 

　　在此背景下，“时尚创意空间”活动应运而生。 

　　如中国纺织工业协会会长杜钰洲所说，它是一次行业上下游多方参与的探索性活动，是对全行业提高创新能力的一次示范性号召和引导。它首次在行业内树起“文化创意”的大旗，组合时尚创意活动，引导行业在文化创意方面加强创新意识，从而改变我们在国际竞争中所处的不利地位，实现发展方式的转变。 

　　10月的上海，随着时尚创意空间活动帷幕的拉起，人们见到了一场别开生面的创意盛会，这出传统产业增色现代生活的时尚大剧，在行业组织中形成了空前的号召力。这是行业探究创意价值的盛会，人们在领略价值再造神奇的同时，也切身感受到行业创意时代的来临。 

　　作为首个国家级纺织服装行业上下游各产业链联手组织的时尚活动，“时尚创意空间”是行业第一次真正意义上将产业链各个环节优秀资源凝聚在一个具象空间。它脱离传统展示模式，力图将全行业最前沿、最代表科技进步及创新设计的产品和理念广而告之；旨在打造“发掘、诠释、体验”三位一体的互动交流平台，使纺织产业链中最先进的企业与设计师的创新技术和创意时尚，通过“视觉”与“思维”的立体延伸展示，最终走向社会，在满足消费者更高层次文化需要的同时，推动产业品牌在市场上的最终实践与升值。 

　　于10月30日~11月1日举行的“时尚创意空间”活动汇集了行业内极富代表性的创意活动，它们围绕着“更好的环境与生活”这一核心主题，以多种创意形式将纺织服装产业链的各部分有机地组织、有效地放大。 

　　作为现代生活方式的前沿引导者，本次“时尚创意空间”在“视觉”环节中，将纺织服装产业链通过“色彩空间”、“纺织创意空间”、“麻素空间”、“家纺空间”、“时装空间”等部分加以展示，谱写出纺织服装业从色彩、纱线、面料到麻纺、家纺、服装等产业链各环节的创新之篇，构建出一种诠释潮流生活方式的独特“视觉语境”。 

　　●创新　破茧而生● 

　　进入颇具现代化的浦东展览馆二层，首先映入眼帘的是“中国纺织创新设计展”。此次展示以“破茧而生”为主题，通过创意艺术与商业相结合的展示形式，对纺织产业乃至全球和人类面临的环境问题和生活状态寻找“突破口”，从而实现“更好的生活”。 

　　展区入口处，为此次展示特别设计的主题雕塑“破茧而生”分外醒目，在巨大的白色蚕茧之上，拥有红色身躯的少女正经历着“重生”的过程。正如该雕塑的设计师谭海峡所说的，“设计创新似我每一次的破茧而生”，展馆内这一片不大的方寸天地，却展现给人们一个兼具展示、观摩、激发意念交流的创意空间。人们被这里的横溢的创意才华所吸引，又有多少新奇的理念被重新激发。 

　　此次展示分为四大主题。 

　　在“救护”主题展区，以即将拆迁的房子的造型制成的面料看板既实用又独特，一块块平淡无奇的毛纺坯布在光线的照射下增加了透明度和质感。该主题尝试通过展示物与观众建立群体交流，引导人们关注曾经忽视的家园——精神需要被关怀，环境需要被关怀，我们的产业也需要被关怀，而富有责任和创新理念的优秀企业已经在实践着关爱环境和社会的责任。其中以“甜蜜生活”为题的设计格外引人注目。设计师将“甜蜜”与“冷酷”的对比发挥到极致，题为“甜蜜”，展区内的模特却身上缠满了绷带，地上散落的都是大大的药瓶。设计师表示，这是关于健康、生命、安全，以及我们生存环境的思考和探讨：“我和周围的很多人都会或多或少地吃各类保健药丸，每当我们甜蜜地、充满信心地吞下那一粒粒药丸的时候，仿佛我们的健康便得到了些保障。可是，是什么让我们感到如此地缺乏安全感、如此地无助呢？这个作品只用了白和红两种颜色，非常规的造型暗含着危险与不确定因素。对身体的探索，揭示了人类对于生命的天生的好奇与惧怕，脆弱与坚强，两种相反力量的碰撞，让作品愈加冷酷与安静。” 

　　在“传承”主题展区，设计师们试图表达对长期积淀的文化精髓、优秀传统要接受、变革、继承、善用和发扬光大的思想，并让它们作为宝贵遗产流传下去。通过现代的理解和演绎为传统赋予新的生命力，这是一种提升性的传承。于是，你可以看到模仿古代的染缸而设计的展位，半人高的染缸笨拙而又古朴，一块块布料藏于其中，染缸背后搭起的晒晾架高大纤细，染好的布匹整块摊在架子上，一高一矮，一胖一瘦，一大一小，鲜明对比中传统在延续。

　　在“有机生活”主题展区，各种纺织品巧妙地与自然环境融于一体。在墙上用白色纸板隔出的“花圃”中，朵朵用布制成的“鲜花”盛开；泥土中摆放的椅子上，各色布块重叠交织着垂下；长方形的餐桌上摆放着大大的圆盘，青椒、南瓜、玉米、胡萝卜等蔬菜与布匹一起置于盘中，如家常菜肴一般秀色可餐。还有一位来自美国的设计师，摄取了一系列北京的照片，并将其部分转移印制在白色T恤上，印制时每件T恤都需要36块丝网覆盖在表面来完成。印制好的T恤穿在模特身上后回到原始的拍摄场所进行再次拍摄，因此这些艺术品如同城市的伪装，使穿着者谜一样地隐藏于周围的环境中，而一旦离开原始的拍摄环境，这些T恤又变得抽象而独特。 

　　在“愉悦”主题展区，宣扬的是精神上、物质上、感官上的愉悦状态，就是人类追求的最高境界。名为“后儿童时代”的设计，以80后年轻人的生活状态为写照，通过夸张的廓型塑造、丰富的装饰手法以及非常规的穿着方式等来体现新人类的生活态度——率性、随意、简单、轻松、快乐。它促使人们不断寻求纯真、无压力、恣意、率真的生活状态，而这正是我们孩童时代的生活缩影。 

　　●色彩　渗透每一细节● 

　　你可能了解色彩，但却并不知道自己生活的色彩空间是什么样的；色彩渗透在你生活的每一个细节之中，而你却可能浑然不知。 

　　在“时尚创意空间”中，你感受到的每一抹色彩，都来自你的今天乃至未来的生活，你寻觅到的，将是你的生活品位。在这个空间中，你体验的不仅仅是权威的色彩展览，更是一种流行的生活方式。“色彩空间”主题展区，围绕“2008/2009产品流行趋势”，诠释了中国优秀品牌企业对2008/2009色彩流行趋势的理解与认识。 

　　此次色彩流行趋势的发布主题是回归与融合——回归到以往人们一直喜爱的事物。服装的款式向单纯和井然有序的中性风格发展。同时，打破了季节的概念，在春夏季节通过高科技的手段让轻薄面料显得厚重。 

　　展区门口的爱慕展位格外引人注目，其用古文物图片展示的形式向人们诉说着色彩在中国5000年的发展变化。从6000年前的彩陶人头器口瓶到万历皇后的凤冠，色彩的演变过程与中国的传统文化一样历史悠久。首次在国内展出的黄金内衣更是吸引了观众驻足。该内衣为爱慕原创，用300多克黄金与20多颗斯里兰卡上等蓝宝石结合设计而成，由国际着名大师耗费数千小时纯手工制作，效果逼真奢华。 

　　展区内深浅相交的绿色让人眼前一亮，各色线轴和穿插其中的绘画更是给人带来强烈的视觉冲击力。 

　　●麻与家纺　原生态和多维创新● 

　　此次“中国麻时尚”展区为人们展示了麻类产品从种植、纺成纱线、成为面料到做成家纺或成衣产品的全过程。沿着曲折而狭小的通道，人们看到从一丛丛的植物，变成封闭在塑料容器中的麻原料，再到展示柜上陈列的布料，原生态的麻拥有了越来越多的颜色，最后成为拥有与众不同质感的麻类成品。认真体会这一过程，你便可意识到“创新”的重要性。 

　　而家纺展区则以“五蕴·空间”为主题，提出了“大家纺”的概念。这是一个整体家居的时尚空间，它用布制成的石头等元素，展示了人们的生活文化。窗帘、布艺、沙发、床饰、鲜花、美酒、瓷器、厨具……这些可能毫不相干的产品经过重新配置和组合，可能就意味着你的“厨房生活方式”和“客厅生活方式”。当琳琅满目的产品出现在人们眼前，你正在感受和寻找的可能就是你的生活方式。 

　　这是对家纺产品的一次集中展示，也是一个充满无限的想象空间。它努力延展人们对家纺的理解，用各种充满想象力和未来感的造型与新型家纺面料相结合，仿佛建立了家纺设计通往未来的时空隧道和桥梁。

　　●服装　设计先锋领衔● 

　　时装展区是此次活动中分量最重的展区，它汇聚了太多富于创新的优秀品牌，众多知名设计师的加盟更是让其独树一帜。 

　　武学伟/武学凯时尚机构的展示以“一张纸”为主题，设计师写道：“有时候，我们不得不靠记忆创造未来，一张纸是我们记忆的灵感延伸。一张纸的世界，创意就是这么简单与纯洁”。于是，他们用封闭在瓶子中的亮片等辅料产品，在纸样洁白的空间中，传递着其从家居产品到服装的设计理念。

　　吴海燕带来的是“东方国”主题展示，她充分利用了浙江杭州的资源，用经典的黑白两色将传统的杭州油布伞用另一种方式表现出来。而杭绣中的经典图案——荷花与凤鸟也通过盒子、镜框、纸袋等方式得以“重生”。 

　　房莹的展位采用图片与实物相结合的方式，将其半高级订制的品牌服装实物与加拿大着名摄影师为其品牌拍摄的放大图片悬挂在空中。房莹说，她带来的服装都有很多中国自己的东西蕴涵其中，但是这种蕴涵又绝非立领盘口那样简单。 

　　此外，出自29位中国时装设计师和31位韩国时装设计师之手的近60件时装艺术作品也现身“时尚创意空间”主题区域，以“时装”为手法诠释了生活中的艺术体验。韩国时装文化协会会长金贞希表示：“在时尚界广泛讨论时装是艺术还是商业的背景下，我们通过此次展览，明确地传达出了时装艺术这一概念。时装艺术(FashionArt)这一概念来源于20世纪70年代的“ArttoWear”(可穿的艺术)这一艺术运动，经由日本时装设计师的努力于20世纪80年代成型，正是这一艺术形式，利用服装设计的本体，为服装设计师情感的传递和表达提供渠道，在这个意义上，所谓的流行、时尚都是不重要的。时尚帮助艺术走出象牙塔，走向大众；也只有在艺术的帮助下，时尚才能走得更远。“金贞希说，中国的设计师对传统保护得非常好，又有开放的设计心态，所以中韩在设计和艺术交流方面有很广泛的空间可以做。